Em ‘Lux’, Rosalía envolve o mundo inteiro em sua sinfonia.

A única constante na vida de Rosalía é a transformação. Artista sempre à frente do seu tempo, ela inova continuamente a uma velocidade que muitos dos seus contemporâneos têm dificuldade em acompanhar. A artista espanhola surgiu no cenário internacional com uma abordagem eletrônica e vanguardista do flamenco do seu país natal, no álbum El Mal Querer, de 2018. Em 2022, lançou Motomami, no qual adotou uma sonoridade assumidamente global, misturando reggaeton, hip-hop old school e bachata, em sintonia com os vocais guturais e as palmas dos ritmos evocativos do flamenco.

Após Motomami, que levou o prêmio de álbum do ano no Grammy Latino, parecia quase impossível prever para onde a artista, sempre tão versátil, iria a seguir. Mas em seu novo álbum, Lux, com lançamento previsto para 7 de novembro, Rosalía retorna às origens, aos clássicos da música sinfônica e dos vocais operísticos.  Gravado com a Orquestra Sinfônica de Londres, o álbum é maximalista — soa como uma trilha sonora dramática para um filme épico e extremamente intenso. Rosalía não canta sobre a sinfonia, mas sim em sintonia com ela. A instrumentação fortalece sua voz e sua mensagem enquanto ela transita entre a música folclórica e a tradição clássica com toques eletrônicos contemporâneos.

No álbum, Rosalía também canta em 13 idiomas diferentes, buscando inspiração musical em todo o mundo, do México à China. Lux soa como se tivesse sido feito por uma artista que vem de todos os lugares, experimentando o mundo inteiro simultaneamente. Quando conversou comigo recentemente na Cidade do México, Rosalía disse que queria que o disco fosse grande o suficiente para abranger todas essas partes, para mostrar que, apesar das diferentes perspectivas, ela poderia pegar uma ideia de uma parte do mundo, compará-la com outra e demonstrar que cada uma é igualmente bela.

Lux também está ancorado em ideias de “misticismo feminino”, diz ela — notavelmente a maneira como as santas de épocas passadas e de diferentes partes do mundo lidaram com o amor, a luxúria e a mortalidade — a cantora diz que sente essas histórias ressoando em sua própria jornada pessoal. Seu objetivo ao criar um álbum tão ambicioso, diz ela, é conciliar seu desejo de fazer música “para simplesmente curtir” e também “música que te desafie”. Em Lux, o mortal e o divino estão em diálogo, e com Rosalía como nossa guia, podemos tocar em ambos.

Esta entrevista foi editada para maior concisão e clareza. Partes desta conversa foram originalmente em espanhol.

Anamaria Sayre: Este é um disco incrível. Ele se baseia em todas essas formas de arte arcaicas e culturalmente valiosas, como a música clássica. Mas para mim, foi quase como olhar para uma obra de Michelangelo e me sentir representada nela, algo que nunca me aconteceu antes. De repente, eu me vi refletida nesse tipo de arte.

Rosalía: Acho que, se eu pudesse ter colocado o mundo inteiro em um quarto, em um disco, eu teria feito isso. Isso é o que eu consegui fazer agora, que foi o Lux, que contém essas histórias de diferentes partes do mundo. Porque cada santo é de um lugar diferente, então há uma língua diferente sendo usada. Você pode encontrar músicas que têm um pouco de árabe, músicas que têm um pouco de chinês, e tudo isso se relaciona com isso. Esses santos fazem parte de um contexto específico. É uma cultura específica, é uma religião específica.

Antes desta entrevista, eu estava conversando com minha editora, que também ouviu este álbum, e ela disse: “Eu sinto que este álbum é menos global do que o Motomami”.

Interessante.

Para mim, é a mais global de todas — primeiro, a questão dos idiomas é bastante óbvia. Mas, em segundo lugar, sim, é clássica. Mas a música clássica, em certo momento, foi a língua franca do mundo. O mesmo acontece com o catolicismo, na verdade. Há também o fato de o flamenco ser baseado na cultura árabe e no folclore espanhol, e em tudo isso…

Na África…

E eu ouço sons do sul da Ásia, ouço sons mexicanos…

Persa… tanta coisa.

É simplesmente mais sutil. E a sutileza, para mim, parece mais natural, honestamente. Dá a sensação de que o mundo se encaixa naturalmente em um som que parece mais uniforme.

Ao longo desses anos viajando e tendo contato com diferentes músicas e culturas, vivenciei muitas coisas. E tudo isso, eu carrego comigo com muito amor, e penso: quero que isso faça parte deste álbum. Eu existo no mundo e o mundo existe dentro de mim. Sinto que, espero, meu amor seja plural e infinito. Da mesma forma que estou aqui e tudo pode estar aqui, como posso explicar isso em uma canção? E eu tentei. É isso que você encontra em “La Yugular”. É sobre isso que se trata. Minha arte favorita é aquela em que a linha entre o pessoal e o universal é um pouco difusa.

Acho que muitas pessoas provavelmente farão uma conexão com a Björk.

Eu adoro a Björk. Ela é a melhor.

Uma coisa que me impressionou nela é que, ao longo dos anos, houve pessoas tentando invalidar ou diminuir a grandiosidade do seu gênio. Tipo “ah, sabe, foram os colaboradores dela”. O que você decidiu fazer foi assumir esse gênero da música clássica, tão grandioso e cheio de história, com toda a sua pompa e circunstância e ideias preconcebidas sobre o que deveria ser. Isso passou pela sua cabeça enquanto você estava fazendo isso, a possibilidade de as pessoas pensarem que nem tudo era mérito seu ou que nem tudo era fruto da sua própria genialidade?

As pessoas pensam o que quiserem pensar. Não está nas minhas mãos. Eu penso: será que podemos simplesmente ir para o estúdio e fazer música, e o tempo dirá? Não preciso me preocupar se as pessoas já entendem o tipo de músico que eu sou. Se demorar um tempo, tudo bem. Eu sei qual é a minha ética sempre que vou para o estúdio. Definitivamente, nunca direi que faço tudo sozinho, porque isso não faz sentido. Mas a Capela Sistina não foi pintada por muitas pessoas? Não foi um esforço coletivo? Eles não tinham uma oficina, não havia uma oficina lá?

Estou muito feliz por poder colaborar com outras pessoas e aprender com elas, mas também por sempre liderar e ter uma visão muito clara. E por me esforçar e trabalhar duro como músico, produtor e compositor. Honestamente, a quantidade de tempo que dediquei este ano… só às letras deste projeto. Mas não faço isso pelo reconhecimento. Não é por isso que estou nessa profissão. Estou aqui porque me faz sentir vivo e me faz acordar todas as manhãs. Isso é tudo o que importa.

Para mim, parece muito vivo.

Sei que muitas mulheres enfrentam dificuldades com a questão dos créditos, porque são muitos créditos envolvidos. Algumas pessoas podem presumir que um homem fez o trabalho por elas. Mas eu gostaria que alguém pudesse fazer o meu trabalho — porque eu teria muito mais tempo para ficar com a minha família e não perder momentos importantes da minha vida. Gostaria de poder simplesmente apertar um botão e que isso acontecesse. Mas não é o caso. Sempre honrarei minha posição e a oportunidade de colaborar, mas também não tenho pressa para que o mundo entenda quem eu sou.

Eu gostaria de perguntar um pouco sobre como você chegou a esses sons. Eu te entrevistei há alguns anos e você me disse que sua avó gostaria que você cantasse como Pavarotti. E então eu ouvi “Mio Cristo Piange Diamanti”, e você demonstra total excelência técnica operística.

Levou um ano, levou um ano! Demorei muito tempo para conseguir fazer isso.

Minha avó me mandou uma mensagem hoje de manhã, talvez eu possa tocar o áudio. [Reproduz áudio] Ela disse: “Ouvi sua nova música e adorei, você mudou o estilo, ha ha ha”. Ela está rindo muito, porque estou fazendo isso agora, acho que ela não esperava. Quando eu era criança, minha avó tinha muitos discos do Pavarotti em casa. E ela sempre cantava enquanto lavava a louça ou fazia qualquer outra coisa. É engraçado porque isso ficou marcado em mim. Ela dizia: “Sabe, como você pode estudar flamenco?”

Para ela, o que importava de verdade era a música clássica e as vozes treinadas classicamente. Eu pensava: um dia vou fazer uma música que minha avó vai dizer: “Ok, agora você conseguiu”.

Também é clássico dizer: “Vovó, não, eu não vou fazer isso”. E aí, depois, você pensa: “Bem, tenho 33 anos e acho que talvez eu devesse fazer o que minha avó me disse, né?”

Elas sempre dão ótimos conselhos. Além disso, foi ela quem me apresentou a Deus. Minhas primeiras experiências na igreja foram com ela, com a Rosalía, a vovó Rosalía. Ela me ensinou muito, sempre fazia orações antes de dormirmos, para mim, minha irmã e meus primos. Acho que essas foram talvez minhas primeiras experiências com essa intuição que sempre tive.

Intuição, como uma intuição espiritual.

Eu penso que sim.

Neste álbum há uma grande quantidade de iconografia religiosa, mas para mim ele soa espiritual de uma maneira diferente.

O misticismo é a inspiração. Não se trata de tentar encaixar tudo em códigos específicos, mas sim de expressar qual é a minha verdade, qual é a minha fé e como posso explicar isso e colocar em palavras, o que é tão difícil?

E o que você descreveu anteriormente sobre [“La Yugular”] e o mundo terminando em você, e você terminando no mundo, me lembra um pouco a ideia no Islã de que somos todos uma só alma.

Essa é a inspiração por trás dessa música. É o resultado de estudar o Islã e pensar: “Ok, essas são as bases. Como posso explicar isso em uma música? Vou colocar essas ideias, tão bonitas, em uma canção.”

E depois, usar o árabe, que é uma das línguas mais bonitas. É como dizer “Eu te amo com mil pores do sol” em vez de simplesmente “Eu te amo”.

A linguagem, acho tão interessante como o ar é importante. No fim das contas, a respiração é onde tudo começa. É por isso que, no início do álbum, depois daquela introdução de piano, o começo é uma respiração. Esse é o primeiro som humano do álbum. Eu tive dificuldades para gravar em árabe porque não estou acostumada a usar a garganta dessa forma, a criar esse espaço, e nem acho que consegui fazer direito, mas tentei. Essa foi a minha carta de amor para o árabe.

Mas eu acho que isso é uma coisa linda, estar bem com a imperfeição.

Eu adoro o escritor Ocean Vuong. E aprendi com ele que, muitas vezes, sentir que não alcançamos completamente o que desejávamos com o trabalho que fizemos, é normal. Quanto mais imperfeição houver, mais humano será, mais beleza haverá, mais história haverá. Existem falhas nas letras, existem falhas na música, e Leonard Cohen diz que é assim que a luz entra.

Estamos falando de imperfeição, mas mais do que isso, estamos falando de movimento. Isso é algo que eu me lembro de você me dizendo também, que a constante para você é a transformação. É como se você mudasse de forma. Obviamente, este álbum é diferente do seu disco anterior, mas você muda de forma umas 50 vezes dentro do próprio [Lux].

Acho que é isso que meus artistas favoritos fazem. Eles são canais de expressão. Quero permanecer flexível o suficiente para contar histórias diferentes dependendo do momento. Acho que é assim que eu entendo ser músico e ser artista.

Isso algum dia acaba?

Não. E espero que nunca mude. Acho que a minha ideia do que é música, ou de como eu quero que a minha música seja, muda com o passar dos anos e do tempo. Acho que a liberdade sempre esteve presente. Como posso ser ainda mais livre? Repito isso para mim mesmo várias vezes.

Via: NPR